El creador de “Oasis”, un mundo virtual visitado por millones de personas, cederá el control total de su obra a quien encuentre un secreto oculto en su interior.

Resulta complicado interpretar a Steven Spielberg en Ready Player One. Dibuja una sociedad apática, alienada y sometida al poder de las corporaciones, pero feliz en su evasión virtual. Crea un relato de liberación popular que olvida al colectivo para premiar sólo al individuo. Ensalza la figura del “friki” como apasionado consumidor de cultura popular, pero rechaza reafirmar su identidad viendo su única posibilidad de salvación social en el amor. Plaga su filme de referencias ajenas para terminar convirtiéndolo en un enorme auto homenaje.

¿Está de broma el genio, como el creador que aparece en su obra, retratando con sorna a una generación acomodada en la nostalgia? ¿Es el maestro en realidad un troll capaz de renegar de su propio estilo en favor de la ironía?

Si el sello de la casa es la estimulación de la imaginación, en Ready Player One se obsesiona en sedarla. Tal vez Spielberg es consciente de las características de un nuevo público ávido de constantes distracciones, por lo que eleva deliberadamente el ruido ambiental para ocultar la ausencia de una melodía de fondo. El conjunto vive de su gran dinamismo y su capacidad para deleitar los sentidos, pero al mismo tiempo desvela que la estrategia de colar en pantalla mitos del cine, el cómic y el videojuego, no responde sólo a un plan comercial. Si Spielberg usa a Tracer, Batman, el Gigante de Hierro o el Delorean en lugar de sus equivalentes genéricos, es porque ha comprendido que el mayor peligro para un mundo virtual es resultar, para quienes buscan evasión, tan tedioso como la realidad.  Y recuerden: no es plagio, es homenaje. No es tópico, es nostalgia.

Aceptable

Thanos pretende imponer un nuevo equilibrio en el universo, pero para lograrlo tendrá que hacerse antes con las poderosas Gemas del Infinito.

Años dedicados a la cuidadosa confección de su universo permiten a Marvel darse el lujo de una película como Vengadores: Infinity War. La compañía no ha firmado en todo este tiempo una sola obra maestra, pero tampoco ha cometido los letales deslices propios de su competencia directa. No existe una franquicia Marvel marcada por el desastre.

El trabajo duro está ya por tanto hecho. El público está familiarizado con los personajes; conoce su origen, sus motivaciones y sus dinámicas, y también comprende el universo en el que conviven. El desafío reside en que la mezcla funcione. Los Russo, que habían demostrado su talento en la saga Capitán América, resuelven una faceta potencialmente desastrosa con una magistral artimaña. El protagonismo de Infinity War no recae en la legión de héroes, sino en la solitaria figura del villano. Thanos es la estrella total de un espectáculo mayúsculo, repleto de humor, acción y épica, que logra conjugar con acierto todos esos elementos añadiendo además un factor hasta ahora desconocido.

Marvel muestra en Infinity War su tono más sombrío, dejando claro que no teme realizar sacrificios si estos sirven para convencer al público de que solo podrán ver algo igual si esperan a la secuela.

Destacable

T’Chala, heredero al trono de Wakanda, realiza un terrible descubrimiento que amenaza su reinado y el futuro de su pueblo.

Black Panther muestra un exquisito diseño de producción, un vistoso vestuario, cuidados efectos especiales, una fotografía atractiva y un reparto notable. El problema de la película no se encuentra en un logrado apartado técnico, sino en una narración dispersa, una temática difusa y un retrato demasiado superficial de sus personajes.

Las escenas de acción, a menudo inconsecuentes, parecen faltas de intensidad y huérfanas de épica. No existe una sensación de urgencia, tan habitual en las cintas del género, ni el humor autorreferencial propio de Marvel, sino un tono más solemne y un ritmo más pausado que no son acompañados de un discurso más maduro. Lo que comienza como un relato sobre la responsabilidad en el ejercicio del poder -esta vez real y tangible- torna de nuevo en una búsqueda por corregir los pecados del padre, temática cumbre de la filmografía Marvel. Su villano, rostro viviente de ese pasado bochornoso, está motivado por una causa noble cuya fuerza queda desaprovechada al ser reducida su presencia en pantalla hasta lo testimonial.

Black Panther es una cinta que no desentona dentro del universo Marvel. Provee de un notable entretenimiento, presenta personajes de enorme potencial y su envoltorio luce impecable. Sin embargo la sensación del conjunto es que desaprovecha una base sólida que le habría permitido alcanzar cotas de calidad más ambiciosas.

Aceptable

Jessica Jones inicia una investigación sobre el origen de sus poderes, lo que la llevará a enfrentarse a un doloroso acontecimiento de su pasado.

¿Por qué sufre Jessica Jones? ¿Por qué está siempre alcoholizada, es promiscua, dice palabrotas y trata fatal a la gente? ¿Por qué no se pone unos leotardos como toda buena superheroína?

En teoría, conocíamos la respuesta. Un ladino psicópata británico destruyó su inocencia y la apuntó a perpetuidad al club del nihilismo. El Hombre Púrpura siempre estará ahí, apuñalando el alma torturada de nuestra investigadora, pero resulta que hay más traumas encerrados en el baúl de los recuerdos.

Parece que después de ciertos deslices, ni Marvel ni Netflix están para experimentos. Mejor repetir una fórmula que funciona, que iniciar aventuras hacia lo desconocido. Y si hay que marcarse de nuevo un “Dexter” convirtiendo a la estrella del show en un piñata emocional, se hace a lo grande. Arrastrando por el fango su moral, obligándola a convivir cara a cara con la causa de su dolor, sometiéndola a una duda implacable y enfrentándola, una y otra vez, a una responsabilidad que nunca ha querido.

Así se sigue poblando de matices la psique de sus personajes para deleite de sus estrellas. Krysten Ritter vuelve a lucir un abanico infinito de registros, Janet McTeer compone una villana brutal y Carrie-Anne Moss apabulla en una subtrama tan personal que, salvo por la actriz, resulta accesoria y superflua.

Este nuevo repaso al pasado de Jessica Jones cuela porque aún vemos posible que el personaje guarde secretos en su pasado, pero la serie empieza a pedir a avances significativos y una evolución que, por fin, acerque a su protagonista a su inevitable destino.

Recomendable

Una bióloga se une a un grupo de científicas para explorar una misteriosa zona en la que su propio marido pasó un año perdido.

Alex Garland desafía al espectador con una propuesta enigmática y valiente. “Aniquilación” forma parte de un cine en vías de extinción, aquel que confía en la capacidad del público para asimilar una temática compleja. La obra espera de la audiencia un papel activo en lugar de mentes que, ante la gran pantalla, tienden a desconectar cuando no reciben una gratificación inmediata. Se le puede acusar de sesuda, pretenciosa o intrincada, pero es innegable que reúne el valor necesario como para evitar rebajar el peso de su discurso en busca de una mayor aceptación.

La ciencia ficción que propone la aleja del entretenimiento vacuo para exponer la tendencia a la (auto)destrucción creativa que se encuentra tanto en la naturaleza como en el alma humana, mezclando momentos de terror, aventura, romance (probablemente el factor más débil de todo el conjunto) y drama con una estética cautivadora. Garland plaga su pantalla de matices y detalles, pero tampoco olvida aprovechar al máximo las habilidades de su estrella. Natalie Portman se convierte en un activo más de una cinta que, incluso alejada del foco mediático y comercial, logra dejar su marca en el género.

Brillante

El funeral de Stalin se convierte en un campo de batalla político donde los hombres fuertes de la Unión Soviética luchan por ocupar el lugar del líder.

Armando Iannucci postula que el político, independientemente de la importancia de su cargo, es sólo un ser humano. Y no uno cualquiera. Uno especialmente despreciable. Tan rastrero y abominable que merece ser despojado por completo de su solemnidad y arrojado a la mierda, como si esta fuera su hábitat natural, el hediondo barro primigenio del que fue creado.

En La Muerte de Stalin el estilo del cineasta es particularmente efectivo. La parafernalia monumental dedicada al ensalzamiento de la figura del líder, le hace más vulnerable a la parodia. Iannucci huele la sangre, muerde con fuerza y no suelta a su presa hasta que esta, destrozada y patética, sucumbe entre sus dientes. La sátira es mordaz, inteligente, agresiva, descacharrante y, a menudo, surrealista; una crítica incisiva que mezcla humor negro, diálogos soeces, personajes rastreros y un aterrador retrato de la opresión.

Es aquí donde Iannucci encuentra su derrota. La carcajada se pierde en la tiranía, en el castigo cruel y arbitrario, en la mentira delatora y el campo de exterminio. El horror, mostrado con crudeza, hace que cualquier tentativa de convertirlo en comedia caiga en la frivolidad. Es complicado reír con el alma encogida.

Recomendable

Cuatro adolescentes quedan atrapados dentro de un videojuego del que sólo podrán escapar superando sus diferencias y trabajando juntos.

Como en el original, la secuela de Jumanji apuesta por cautivar al espectador con un ritmo frenético repleto de sorpresas. Si la aleatoriedad estaba antes marcada por los dados de un juego de mesa, Bienvenidos a la Jungla se actualiza para asumir mecánicas propias del videojuego. No hay una estructura compuesta por escenas que sean consecuencia directa de las anteriores, sino una sucesión arbitraria de escenarios que los personajes han de completar para pasar al siguiente nivel. La abundancia de situaciones inesperadas resulta en una cierta desconexión con lo que ocurre en pantalla. Si cualquier cosa es posible, nada tiene importancia.

Este es un problema habitual del cine más comercial, pero Jumanji lo soluciona asumiéndolo sin complejos para dejar al respetable ojiplático y al borde de la taquicardia. Además trabaja sobre sus personajes creando arcos simples que se sustentan en un manido intercambio de cuerpos, pero que resultan extremadamente efectivos a la hora de crear un soporte narrativo. Seguir la evolución de los protagonistas y disfrutar del carisma de sus actores es un interesante añadido a una obra a la que no la importa ser confundida con un parque de atracciones, mientras no se cuestione su compromiso con la diversión.

Recomendable

Un joven monje irlandés, en compañía de un misterioso sirviente mudo, se adentra en territorio hostil para trasladar una valiosa reliquia a Roma.

Pilgrimage es el cine sensato que, consciente de sus limitaciones, solo aspira a la dignidad. No hay nada reprochable en su propuesta porque tampoco muestra nada que destaque.

Ante una evidente escasez presupuestaria, la película se acoge a la juiciosa estrategia de evitar una recreación histórica grandilocuente. Extirpa a sus personajes de entornos monumentales para arrojarlos a bosques, pantanos y caminos embarrados, los dota de una excusa para recorrer un mundo extraño que descubrir junto al espectador, centra su temática en el choque de un misticismo jerárquico y opresivo con un paganismo salvaje y montaraz, y muestra una violencia cruda como único método de resolución de los conflictos. Logra además enrolar en su causa a actores de prestigio y experiencia cuya aparición eleva su calidad y, sin duda, su capacidad para atraer la atención del público.

El problema es que sus estrellas trabajan a menudo en el vacío. Los personajes, en especial su villano, son dolorosamente planos y los caminos que recorren demasiado familiares. Las interpretaciones son decentes, pero no memorables. La puesta en escena es correcta, pero no cautivadora. La historia, interesante pero nunca imaginativa.

Pilgrimage hace de la aceptación de su humildad su principal valor. Su mayor pecado es no aspirar a más.

Aceptable

Durante una misión, el “blade runner” conocido como K realiza un importante descubrimiento que le lleva a cuestionarse su propia identidad.

Denis Villeneuve suma a las virtudes mostradas en su sobresaliente carrera un innegable sentido común. Consciente del desafío al que se enfrenta continuando una obra maestra, el director renuncia a imponer una visión propia y guía su secuela hacia el homenaje.

Blade Runner 2049 se cuestiona sobre la importancia de la memoria en la composición de la identidad, habla de la búsqueda de una divinidad imposible a través de la creación de vida, versa sobre los mundanos mecanismos que activan las emociones más puras, sobre la soledad y la alienación que deriva del progreso. Ofrece, incluso, una narración coherente que se permite prescindir de conceptos que le permitirían ampliar su universo.

Lo hace porque la mirada de Villeneuve está anclada en el pasado de Blade Runner, no en su futuro. Su obsesión no se encuentra en la narrativa, sino en capturar la belleza del clásico sin temor a excederse en su manierismo, en componer escenas de estética cautivadora aunque se arrastren con cadencia agotadora. Si el relato flaquea es porque su celo recreacionista tiene como único objetivo la culminación de un exquisito homenaje plástico a una obra inmortal. Un cautivador cuadro en movimiento que busca nublar la mente y capturar los sentidos hasta convencernos de que jamás dejamos de vivir sueños eléctricos.

Destacable

El aislamiento del Imperio Británico lo condena a la derrota total, pero su nuevo primer ministro insiste en seguir luchando a pesar de las dudas de miembros de su propio partido.

Bien haría el espectador suspicaz en prevenirse de la habilidad anglosajona para la propaganda. Cada relato sobre sus próceres suele devenir en un sutil intento de reescribir la historia a su medida.

La calidad cinematográfica de Darkest Hour puede resumirse en la titánica interpretación de Gary Oldman. Su trabajo supera una legendaria caracterización para mostrar una inquebrantable consistencia en su dicción y gestualidad. El actor retoca un relato que, a pesar de su astucia, flaquea por su propia condición de hagiografía pagana.

El Instante Más Oscuro busca reivindicar el éxito de Reino Unido en un tiempo de aislamiento, un mensaje cuya conveniencia en el momento político actual resulta llamativa. Para ello evita cuestiones complejas, obvia el papel de sus aliados y convierte a Winston Churchill en avatar de las esencias británicas. Los defectos del ser humano tornan en divertidos matices de un personaje entrañable, la ideología del político es sustituida por una apasionada perseverancia, la soledad del líder en metáfora de la actualidad.

El legado de su protagonista es un recuerdo nostálgico de las glorias imperiales para una película que, a pesar de su impecable factura técnica, reniega de su naturaleza y sólo aspira a ser un himno nacional compuesto por imágenes.

Recomendable